Essa é uma das cenas mais marcantes do De Volta Para o Futuro II. Para quem cresceu nessa época, Marty McFly e Michael J. Fox se misturam. Mais ou menos como o presente e o futuro no filme.

Depois de duas décadas, o famoso Nike MAG se tornou realidade (antes de 2015).

O tênis foi apresentado em Los Angeles e tem uma fabricação mais do que especial: são apenas 1500 pares, com lucros revertidos para a MJF Foundation – fundação criada por Michael J. Fox para pesquisa e combate ao Mal de Parkinson através de células-tronco.

Definitivamente, são peças de colecionador, e estão sendo leiloadas no ebay.

O Nike MAG é uma réplica quase idêntica do original usado no filme, com os painéis de LED e o logo luminoso na tira de velcro. Só fica devendo o sistema power laces (que fazia o tênis amarrar os cadarços sozinho e fechava as tiras de velcro). Mas, quem sabe até 2015?!

Parecia impossível, mas aquele futuro distante chegou.

E chegou também em uma das maiores rivais da Nike. A Adidas lançou uma linha voltada para outra contagiante trilogia: Guerra nas Estrelas. O comercial deixa clara a ambição da marca das três listras: David Beckham, Daft Punk, Snoop Dogg, Franz Beckenbauer, Noel Gallagher e outras figuras intergaláticas reunidas em um boteco. Impagável!

Os produtos são variados. Dá para comprar uma camiseta com Mestre Yoda jogando tênis, ou com um Darth Vader grafitado no peito. Aliás, um dos modelos de tênis da série traz a máscara do personagem na biqueira. Sensacional! Outro, todo branco, te transforma em membro do Exército Imperial.

Se preferir, pode optar também por homenagear o engraçado – e ao mesmo tempo nojento – vilão Jabba The Hutt. O pisante dedicado ao gângster mais famoso de Tattoine tem um tingimento alusivo à pele da lesma gigante.

Os preços são acessíveis. Só cabe a você decidir ficar entre os Jedis ou ir para o lado Negro da Força.

Aproveite e veja os comerciais das linhas Nike MAG e adidas Star Wars

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“Planeta dos Macacos: A Origem” estreia nas próximas semanas no Brasil, mas já está ganhando destaque nas salas de cinema de alguns países em que já estreiou. O filme se baseia na história clássica do francês Pierre Boulle, ficção científica das mais consagradas ao longo do século XX. O novo longa, dirigido por Rupert Wyatt e estrelado por James Franco, dá uma nova visão à história, embora mantenha aspectos estruturais marcantes. Boulle construiu uma obra tão genial quanto simples: símios, nossos ancestrais diretos, tornaram-se mais evoluídos que os humanos – e nos tratam como animais sem inteligência.

Os dois mais famosos filmes Planeta dos Macacos são o de 1968, com Charlton Heston no papel principal, e o de 2001, de Tim Burton. Relembre abaixo os outros filmes baseados na obra de Pierre Boulle:

De Volta ao Planeta dos Macacos (1970)

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Fuga do Planeta dos Macacos (1971)

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A Conquista do Planeta dos Macacos (1972)

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Batalha pelo Planeta dos Macacos (1973)

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O Oscar 2011 vem aí e, pensando nisso, resolvi não fazer os posts que todo mundo faz, com apostas, os melhores, piores etc etc. Fiz diferente: peguei a lista geral de ganhadores de “Melhor Filme” e fui vendo as injustiças, aqueles filmes sensacionais que não levaram a estatueta pra casa. Só para lembrar: não é a lista de melhores filmes de todos os tempos, afinal, muitos excelentes longas ganharam a estatueta. Alguns anos, como 1976, por exemplo, tiveram grandes concorrentes ( Taxi Driver e Todos os Homens do Presidente) e um ganhador igualmente competente (Rocky), então, está fora da lista. Só pra exemplificar. De resto, a polêmica é serventia da casa.

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10 – O Exorcista (1973)

ganhou o Oscar: Um Golpe de Mestre

Confesso que me lembro muito vagamente de “Um Golpe de Mestre”, mas não dá pra descartar o clássico-mor dos filmes de terror. Não sou fã do estilo, mas esse é de arrepiar e tampar os olhos facilmente.

9 – Nascido para Matar (1987)

ganhou o Oscar: O Último Imperador

Confesso minha falha cinéfila de não ter visto O Último Imperador, mas se nesse ano teve o avassalador Nascido para Matar, então não vejo problemas em colocá-lo nessa lista.

8 – Laranja Mecânica (1971)

ganhou o Oscar: Operação França

Quem lembra de Operação França? Nem eu. Levou a melhor em cima de Laranja Mecânica, uma obra de peso de Kubrik. Novamente a Academia pisou na bola.

7 – Os Bons Companheiros (1990)

ganhou o Oscar: Dança com Lobos

Dança com Lobos é apenas um bom filme e nem chega aos pés do intenso trabalho de Martin Scorsese, o mestre.

6 – Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças (2004)

ganhou o Oscar: Menina de Ouro

Menina de Ouro é realmente um grande filme, mas não tão espetacular quanto a obra prima de Charlie Kauffman. Chegou a ganhar melhor roteiro original, mas somente esse prêmio não está à altura da qualidade do filme.

5 – Cidadão Kane (1941)

ganhou o Oscar: Como era Verde o meu Vale

Não sou daqueles que acham que Cidadão Kane é o melhor filme de todos os tempos, mas, sim, esse é um filme e tanto. Quase completo e por isso deveria ter levado a estatueta em 1941.

4 – Touro Indomável (1980)

ganhou o Oscar: Gente como a Gente

Outro clássico absoluto de Scorsese. Em 1980 perdeu para o desconhecido “Gente como a gente”. Alguém lembra desse? Shame on you, academy!

3 – O Segredo dos Seus Olhos (2010)

ganhou o Oscar: Guerra ao Terror

O vencedor é um excelente filme, isso é verdade, mas não dá para comparar com o longa argentino, lindo, tocante e esplendoroso. Grande injustiça.

2 – Apocalypse Now (1949)

ganhou o Oscar: Kramer vs Kramer

Outro ano difícil, com Kramer VS Kramer levando a melhor e Mahantan perdendo – um excelente filme de Woody Allen. Mas Apocalypse Now é sem dúvida o melhor filme de guerra já feito. Sem ressalvas.

1 – Tempos Modernos (1936)

ganhou o Oscar: The Great Zigfeld

Outro desconhecido que papou o prêmio em cima de um clássico dos clássicos, Tempos Modernos. Suas imagens estão eternizadas e isso, pelo menos isso, ninguém vai apagar.

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O revival 80´s esteve bem forte na música há alguns anos. Mas só agora que o cinema vem pegando o bonde. Somente em 2010 serão quatro remakes clássicos da década “perdida”, para uns, exagerada, para outros, e rica (absolutamente) em cultura pop.

O momento de nostalgia pega uma geração inteira, daqueles que hoje tem entre aproximadamente 25 e 35 anos, mas também atinge os novos nerds de plantão ávidos pelo cinemão anos 80. Aliás, foi nessa década o estouro de grandes filmes que hoje chamamos de “hollywoodianos”, “pipoca” ou “blockbuster”. Star Wars, Indiana Jones, ET, Mad Max e tantos outros. Mas foi também a década de comédias e filmes de ação que é impossível tirar da cabeça. Por exemplo, “Fúria de Titãs” teve sua primeira versão em 1981 e já deixou muita gente de queixo caído com sua técnica de stop motion e muita ação. Agora, com toda tecnologia pós-Sr. Dos Anéis (calma, técnicas pós-Avatar você verá em breve), teremos outra versão do clássico, e dessa vez com Sam Worthington no papel de Perseu. Comparações? Só no plano da história, porque só pelo trailer já dá pra ver a pancadaria dos efeitos visuais e toda fantasia criada em volta.

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E “Esquadrão Classe A”? O seriado de sucesso, que foi exibido pelo SBT no Brasil, chega às telonas também esse ano. O elenco mistura novas estrelas da comédia hollywoodiana (Bradley Cooper) e outros mais “veteranos”, como Liam Neeson. A nostalgia sobe mais ainda se formos levar em consideração a nova versão de “Karatê Kid”, que na verdade é um rebot (como os americanos chamam quando uma franquia é “zerada” e reiniciada novamente). Essa versão particularmente não me agrada nem um pouco, já que o magnífico Sr. Miyag é agora um tal de Mr. Han, vivido pelo insosso Jack Chan. Sem graça alguma. E nada de Daniel San e seu nerdismo/looserismo que encantou a todos. Mas tá aí para a geração atual – que espero que corra pro youtube e torrents da vida para conferir o original.

Na onda dos remakes ainda temos “Red Dawn”, que em 1984 se chamou “Amanhecer Violento” no Brasil e que já está com gravações bem adiantadas, além do anúncio de “Deu a Louca nos Monstros”, “Arthur – O Milionário Sedutor” e “Footloose”. No meio de tanta coisa, com certeza vai vir um monte de besteira. Acontece. Só espero, para daqui uns 10 anos, o remake de “American Pie” ou “O Máscara”.

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Música

DVD: Michael Jackson – A História – Nada mais pop e atual do que o rei do pop, não?!

DVD: Orgulho, Paixão e Glória – Três Noites na Cidade do México – Pré-venda da série de shows histórica que marcou a passagem do Metallica pelo México.

LIVRO: 1001 Discos para Ouvir Antes de Morrer – Michael Lydon – Uma lista completa com um preço imperdível.

LIVRO – Eric Clapton – a Autobiografia – Eric Clapton – Um gênio da música por ele mesmo.

Camisas Marka Diabo – Essa grife dispõe de um enorme catálogo de camisetas de todos os tamanhos e medidas, estampas e modelos do mundo pop. As de música são  imperdíveis.

Caixa de Som para iPod - Seu iPod com um toque de lego.

Cinema

LIVRO: Como a Geração Sexo, Drogas e Rock’n'Roll Salvou Hollywood – Peter Biskind – O livro aborda o cinema americano dos anos 70 de uma perspectiva nova.

LIVRO:  Conversas com Woody Allen – Eric Lx - Compilação de 36 anos de conversas com o cineasta sobre seu próprio universo.

DVD: Trilogia Bourne – Excelente oportunidade para ter em casa a grande trilogia de ação.

DVD: BOX Espcial Trilogia “O Poderoso Chefão” – Um dos melhores filmes de todos os tempos nessa edição mais do que luxuosa.

Camisetas de Filme - A Marka Diabo também oferece estampas variadas e bem estilosas, assim como a Camiseta Records. Duas ótimas opções!

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A história se passa na era de ouro do jazz americano, na década de 20 em New Orleans, onde vive a jovem Tiana, confundida com uma princesa e beijada por um sapo. A confusão então é formada e o filme, que em certos momentos é mais um musical, apresenta novamente uma trama que remete aos clássicos “Bela Adormecida”, “A Bela e a Fera” e “Cinderella”.

O grande chamariz do filme é mesmo a princesa negra, primeira heroína da Disney com essas características. É verdade que o estúdio também já produziu outras histórias com personagens de raças diferentes, como Pocahontas, Jasmine (de Aladdin) e a chinesa Mulan. Mas agora a situação é outra. Mesmo depois de anunciar que não faria mais filmes com a velha tecnologia 2D (o último foi “Nem Que a Vaca Tussa”), a Disney voltou atrás e leva à frente uma trama ambientada num cenário riquíssimo culturalmente, típico da cultura americana e com uma princesa negra como protagonista. O conto de fadas moderno  remete a um resgate de um momento histórico abalado pela recente destruição de New Orleans pelo furacão Katrina e pela valorização do negro no mundo, afinal, Barak Obama é o presidente da nação.

Outras heroínas

Pocahontas (1995) – A clássica história de amor proibido encontra nesse filme a bela protagonista indígena Pocahontas, que se apaixona pelo capitão inglês John Smith. O amor é condenável e decide os rumos de uma guerra. Pocahontas tem cabelos longos, é mulata e apresenta uma leve sensualidade em seus olhos.

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Mulan (1998) – A trama é baseada na lenda chinesa da heroína Fa Mulan, jovem que vai lutar na guerra no lugar do pai doente. A história de superação e aventura traz uma protagonista longe dos padrões típicos da Disney, não é branca, tem personalidade forte e os olhos puxados.

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Jasmine (1992) – É mais uma história de amor, só que dessa vez com personagens árabes. A história é inspirada nos contos “As Mil e Uma Noites” e Jasmine é uma bela e decidida mulher com fortes traços físicos da região, muito longe dos padrões americanos de princesas, como Branca de Neve e Ariel.

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direção: Quentin Tarantino
elenco: Brad Pitt, Mélaine Laurent, Cristoph Walts, Eli Roth
país: EUA/Alemanha
gênero: drama/guerra
ano: 2009
título original: Inglorious Basterds

Assistir a um filme de Quentin Tarantino é apreciar a capacidade técnica que o diretor exerce sobre sua obra, um domínio total da narrativa. Em “Bastardos Inglórios” ele não decepciona nesse quesito, vai além e cria um roteiro intricado e com cenas memoráveis de suspense e um jogo de tensão que poucas vezes ele já fez.

“Bastardos Inglórios” conta a história de um grupo do exército americano que tem o único objetivo matar nazistas – sempre de forma cruel. Eles desenvolvem um plano para matar Hitler e seus generais numa grande noite de estréia de cinema, ao passo que uma judia sobrevivente de um massacre faz o mesmo.

Alguns elementos clássicos de um longa de Tarantino estão presentes aqui também. É curioso perceber que normalmente lembramos muito bem de vários personagens de seus filmes, mas nos recordamos e nos admiramos ainda mais é com as cenas e a ação dramática que eles realizam. A força está no “como” e não no “quem”, é por isso que atores famosos pouco importam numa obra de Tarantino. Em “Bastardos Inglórios” é a mesma coisa: Brad Pitt, como o tenente Aldo Raine, é apenas mais um em meio a tantos bons personagens e as cenas em que ele participa é que o tornam grandioso, e não ele em si. É um mérito e tanto do diretor-Tarantino, claro, aliado a um roteiro que consegue conjugar agilidade com cenas claudicantes do ponto de vista do suspense.

Nesse sentido, três momentos se destacam – curiosamente uma no início, uma no meio e a outra no final. A primeira é a cena de abertura, um momento grandioso do roteirista-Tarantino ao criar um diálogo provocante e incendiário, que está prestes a explodir a qualquer momento – só não sabemos em qual. Ele acerta, por exemplo, no momento exato de mostrar que existem pessoas escondidas na casa, demonstrando que ele aprendeu muito bem com o mestre Hitchcock. O diálogo é sempre cheio de ironias e muito bem pontuado e editado, assim como um outro momento de destaque, a cena da taverna, em que os Bastardos se infiltram em meio a alemães beberrões. A resolução final da cena é algo esplendoroso – rápida, intensa e provocante. Quando tudo termina a gente sabe, viu tudo, mas fica perdido e querendo ver tudo de novo. Como falei aqui num outro post, o grand finale de Tarantino é sempre espetacular, grandioso e apoteótico – mesmo quando termina abruptamente, como em “Prova de Morte”. Aqui não é diferente e qualquer coisa que eu fale pode estragar o momento final e como o conflito se resolve.

No roteiro, a história tem certa dificuldade em se amarrar em determinados momentos. Temos os Bastardos em sua missão obstinada e a história paralela da bela judia Soshana (Mélaine Laurent), que sofreu na pele os horrores da guerra e que luta pela vingança (olha o tema presente aqui de novo…). No meio disso tudo, tem os nazistas, sempre tratados pelo roteiro como obtusos generais, com certa inteligência, mas propensos a decisões equivocadas. O único que destoa é Hans Landa, um sagaz perseguidor de judeus e sempre um passo à frente de suas vítimas, interpretado com maestria por Cristoph Waltz. As cenas em que ele está presente chamam atenção, paradoxalmente ao que falei acima, por ele mesmo, pela capacidade de internalizar o personagem e mostrar ao espectador que, sim, é possível que um cara daquele tenha realmente existido. O toque real do longa, no entanto, reside apenas no pano de fundo do nazismo e de alguns de seus nomes históricos, porque a condução da história e sua conclusão são completamente ficcionais.

Talvez um dos pontos fracos do filme seja o próprio nome e a propagada feita em cima deles, isto é, o filme não é sobre os Bastardos Inglórios, e sim sobre o sentimento de vingança de grupos distintos participantes da guerra. A engrenagem da história não se limita a nenhum dos dois, tendo seu tempo bem dividido entre eles – mais uma vez Tarantino usa a divisão por capítulos. Os Bastardos, no entanto, dão um tom sarcástico ao longa que, por si só, já traz um tema extremamente delicado. As cenas em que Aldo Raine e companhia matam nazistas e conspiram contra eles são excelentes, bem colocadas e distribuídas pelo filme. Tarantino só peca em algumas outras cenas desnecessárias, que só alongam a história e não contribuem para nada.

Apesar disso, o diretor enche a mão e joga alto ao apostar na paixão pela sétima arte. O cinema é tratado aqui como a arte intocável, pois é apreciada mesmo quando realizada por seres humanos detestáveis. A fruição do cinema como uma arte pura e simples é o primordial, e talvez essa seja uma lição importantíssima que ele queira passar para os espectadores. Não é à toa que ele cita vários diretores e atores durante o filme e conduz o roteiro para o desfecho que tem o cinema como ponto chave de conclusão, acrescido de uma trilha belíssima de David Bowie perfeitamente encaixada no desfecho. “Bastardos Inglórios” talvez seja o grito de sobriedade e admiração de Tarantino pelo cinema. Um belo grito.

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A avalanche beatle, que já está sendo chamada de “a nova beatlemania” (não é para tanto), vai começar em 2009 e romper 2010 como um raio ou então como se fosse o melhor dos riffs de George Harrisson. Estão programadas algumas ações que prometem levar às novas gerações as tão faladas e idolatradas canções dos Fab 4. Beatles para a nova massa, as iniciativas juntas podem, ainda, gerar milhões para os já polpudos cofres de Ringo Starr, Paul McCartney, Yoko Ono e a família Harrison.

O primeiro lançamento causou furor há 2 meses, quando foi anunciada na Eletronic Entertainment Expo, maior conferência de games do mundo. O game em questão é a versão exclusiva dos Beatles para o Rock Band, o jogo que mudou a visão musical de muito adolescente da geração 2.0, e que vai compilar um total de 45 músicas de todas as fases da banda. Aposto que vai ter muito marmanjo pongando no console (xBox, Wii e PS3) do filho para entoar verdadeiros hinos, como “I saw her standing there”,”I want to hold your hand”, “I feel fine”, “Taxman”, “Day tripper” e “Back in the USSR”. “The Beatles: Rock Band” estará disponível nas lojas na data cabalística 09/09/09, e ainda será possível baixar discos inteiros da banda (“Rubber Soul”, “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band” e “Abbey road”) para agregar ao jogo.

Para quem deseja mesmo ouvir música, os remanescentes da banda prepararam o relançamento de toda discografia remasterizada (são 14 álbuns), que é pra chegar com tudo no mercado. As novas gerações poderão (de forma lícita, é claro) ter acesso pela primeira vez às músicas do Beatles, já que o iTunes, um dos principais vendedores de música do mundo, não dispunha da banda de Liverpool em seu catálogo. É uma novidade e tanto, se formos considerar o potencial pop que o Beatles tem, podendo perfeitamente angariar adolescentes de países e etnias diversas. Claro, muita gente já tinha esse contato baixando as canções, mas agora é um pouco diferente. Com esse lançamento, e atrelado ao Rock Band, o Beatles está novamente agendado na mídia, inclusive nos canais de comunicação que os jovens mais acessam hoje em dia: blogs, redes sociais, twitter, games etc.

E, para os amantes do cinema, uma boa novidade é o anúncio da refilmagem do clássico infantil-psicodélico “Yellow Submarine”, um filme lançado originalmente em 1968 e que traz a banda, em desenho animado, encarnando a Sgt. Pepper’s lonely hearts club band recrutada para salvar a Pepperland de malígnos inimigos. Seja lá o que essa história signifique (nota: já vi o filme e é realmente caótico, psicodélico, bom, divertido e fácil de assistir. Tudo ao mesmo tempo, só não me pergunte como), é uma oportunidade e tanto de rever essa história agora em 3D e sob a ótica de Robert Zemeckis, o diretor por trás de “De Volta para o Futuro”, “Bewoulf” e “Expresso Polar”. O longa já tem data definida para ser lançado: em algum dia do não tão longínquo ano de 2012. Alguém percebeu a coincidência com as Olimpíadas de Londres?

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direção: Martin Scorsese
elenco: Robert DeNiro, Joe Pesci, Cathy Moriarty
país: EUA
gênero: drama
ano: 1980
título original: Ranging Bull

Se existem atores que dão certo com determinados diretores, então esse é o caso de Robert DeNiro. Parceiro de Martin Scorsese em diversas outras produções, em “Touro Indomável” o ator americano mais uma vez consegue criar um personagem intenso e único, ao mesmo tempo em que emprega um tom dramático impressionante, numa história de ascensão e queda de um ídolo americano do boxe.

“Touro Indomável” é a história do lendário lutador de boxe Jake LaMotta (DeNiro), que começa como um mero lutador do bairro do Bronx em NY e passa a ser um dos maiores esportistas do país na sua modalidade, embora em vários momentos Jake enfrente problemas com mulheres e jogo, tudo ao lado do seu irmão Joey (Joe Pesci).

Scorsese adota uma narrativa simples e usual, somente escolhendo o preto e branco na fotografia para dar uma tom mais clássico e documental ao longa. É uma ótima estratégia, já que é interessante ver o cotidiano do tradicional bairro novaiorquino dessa ótica – cidade, aliás, fetiche para o diretor, que já rodou por lá diversos outros filmes. Na condução da história, vemos um Jake partindo de baixo, enfrentando adversários fracos e sem importância, porém mesmo nessa época, já se constatava a genialidade do lutador e a capacidade incrível dele aniquilar seus adversários. Em um tempo em que o boxe não era tão institucionalizado nem tão profissional, o amadorismo do esporte dá uma crueza mais intensa ao filme, uma vez que em diversas lutas é possível sentir realmente o combate mais com uma briga de rua ou um acerto de contas entre dois adversários.

A trajetória de LaMotta é mais uma história entre tantas parecidas na América. Infância razoavelmente pobre, num bairro sem lei e educado nas ruas, inúmeros lutadores americanos surgiram nesse contexto. É com essa bagagem, então, que acompanhamos LaMotta já com cerca de 20 anos, tão voraz na hora de comer quanto na hora de tratar as mulheres. O astro não aceita resposta das mulheres, não aceita ser contrariado, não cogita em nenhum momento ser encarado por uma mulher; as trata como animais, o que é contraditório em sua personalidade também animalesca. Em vários momentos o touro do Bronx perde a cabeça, mesmo nas situações mais banais do dia a dia. DeNiro, nesse ponto, é genial ao conseguir impor em seu personagem uma veia extremamente violenta, mesmo fora dos ringues. É o tipo de personagem que não leva desaforo para casa e que não dá nada para fugir de uma briga.

Sua reputação cresce com o tempo e também suas inúmeras lutas pelo país, num tempo em que o boxe era tratado com mais amor – e muito jogo, intrigas e confrontos nos bastidores. O roteiro, no entanto, não foca sua atenção nessas questões extra-ringue, e sim joga luz sobre LaMotta, um ser que, em contraposição a tudo que já foi dito sobre ele, é um homem extremamente solitário e infantil. Esse traço de sua personalidade é evidenciado com a relação dele com o irmão, Joey, numa interpretação mais uma vez magistral de Joe Pesci. Ele influencia de todas as maneiras LaMotta, muito embora seja o irmão mais novo. Mesmo assim, é ele quem gerencia a carreira do irmão, quem arruma as lutas e, principalmente, o único laço familiar do campeão de boxe. Esse ponto, aliás, é especialmente importante para entender o drama e as razões pelas quais LaMotta age de forma violenta e desprezível em relação a todos. O irmão é seu maior exemplo de vida, é a quem segue, é a quem confia as decisões da carreira, mesmo que em diversos momentos não ache que é a correta. A ausência do pai, evidenciada numa cena magnífica e simples de Scorsese, é (talvez) a chave para a compreensão da figura de Jake LaMotta.
O filme segue a carreira de LaMotta do início ao fim, com todo esse panorama como enquadramento principal da narrativa. As lutas são, na verdade, um pano de fundo – muito bem filmado e executado por Scorsese, com cenas de luta bastante convincentes – para que o roteiro trate um drama tão comum aos americanos daquele bairro e talvez tão usual também em qualquer parte do mundo.

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