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As primeiras bandas a completarem 50 anos na ativa

Rodrigo Carreiro — Mon, 06 Feb 2012 03:05:08 +0000

The Beach Boys

Qual o segredo da longevidade? Qual a fórmula mágica para cruzar gerações, lançar discos, superar crises e, 50 anos depois, ainda estar na ativa? Você pode perguntar a um seletíssimo grupo de bandas que completa, em 2012, meio século de música.

São quatro bandas bem distintas. A primeira delas a lançar música oficialmente em 1962 foi o Beach Boys, com o single “Surfin’ Safari”. Em maio, um mês depois do lançamento anterior, o grupo porto-riquenho El Gran Combo se forma e passa a fazer shows. Em seguida, foi a vez de Richards & Jagger montarem oficialmente os Stones e começarem a fazer shows por Londres e cidades vizinhas – o primeiro disco viria somente em 63. No final do ano, um tal de Chieftains começa a tocar em pequenos clubes com seu som típico irlandês.

The Rolling Stones

Claro que desses nomes Rolling Stones e Beach Boys saltam aos olhos, muito embora o grupo liderado por Brian Wilson tenha tido longos períodos de hiato. Sobre os Stones, a história é outra. Jagger, Richards e Watts formam a espinha dorsal da banda e estiveram juntos durante todos esses 50 anos, com períodos de parada muito pequenos. São poucas as mudança de membros: saída do baixista Bill Wyman em 1991 (ele não é lá considerado um Stone oficial, mas começou com a banda em 62 e só largou 29 anos depois) e duas trocas de guitarristas – Brian Jones por Mick Taylor e este por Ron Wood, que está no grupo desde 1974. Portanto, os caras estão na ativa de verdade por todos esses 50 anos, entre shows históricos, turnês intermináveis, discos clássicos, brigas (!!) e uma grande dose de genialidade.

Em 2012, com esse aniversário redondo, especula-se que o Rolling Stones encare pela última vez a estrada, numa turnê que promete ser recorde. É esperar pra ver.

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Os 70 anos de Caetano Veloso, o inquieto vanguardista

Rodrigo Carreiro — Tue, 31 Jan 2012 03:05:27 +0000

Semana passada, Caetano Veloso anunciou que enfim lançaria, ainda esse ano, seu CD ao vivo em parceria com David Byrne, o eterno líder do Talking Heads e admirador da música brasileira de longa data. Antes, no final de ano passado, o compositor baiano preencheu sua inquietude musical do momento ao chamar Gal Costa para um projeto, no mínimo, diferente: um CD de música eletrônica, idealizado por ele para que ela cantasse. Se a vida de um cantor e compositor consagrado no Brasil e no mundo já não tivesse atribulada demais, esse ano Caê completa 70 anos, marca redonda que vai lhe render muitas homenagens e, porque não, novos projetos.

O disco com Byrne foi gravado em 2004, no clássico Carnigie Hall (Nova York) e traz, a rigor, dois shows separados com alguns momentos em que os dois dividem o palco. No setlist, Caetano canta “Você é Linda”, “Sampa”, “Coração Vagabundo”, dentre outras. Senta ao lado de Byrne para cantar “Dreamworld: Marco de Canaveses”, “Um Canto de Afoxé para o Bloco do Ilê”, “(Nothing But) Flowers” e “Heaven”. Uma oportunidade e tanto para ouvir dois grandes compositores tão distintos, mas que dão muito certo juntos.

Sobre o disco com Gal Costa, o santamarense não se furta a admitir que suas composições não cabiam na sua voz e, portanto, chamou a amiga para cantar. Mais do que contemporâneos da música brasileira, os dois se completam e a mistura bizarra de música eletrônica + Caetano Veloso + Gal Costa pode não dar certo a princípio, mas cresce com algumas audições. É só o tempo de parar para imaginar que aquilo pode dar certo efetivamente, pois se trata de uma das mentes mais brilhantes da música popular brasileira. O cara inquieto que há cerca de seis anos arregaçou as mangas, saiu do ostracismo e jogou no mercado o aclamado “Cê”. Que em 2009, seguindo a mesma onda, lançou “Zii & Zie” e mostrou de vez que faz música como ninguém, aliando a força de sua composição clássica repaginada pelo viés da atualidade. Sem medo de soar cafona.

Ainda esse ano, Caetano deve lançar outro disco de inéditas – mais uma vez ao lado da banda Cê, formada por garotões na casa dos 30. Como se não bastasse, alguns de seus discos mais clássicos, como “Joia” (1975), “Cinema Transcendental” (1979) e “Caetano Veloso” (1969), serão relançados em 2012 acompanhados de songbooks – fato que também vai ocorrer com Gilberto Gil, outro baluarte da música brasileira que completa 70 anos esse ano.

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Top 10 – David Bowie e suas parcerias

Rodrigo Carreiro — Thu, 26 Jan 2012 03:05:01 +0000

David Bowie talvez seja o artista do mundo pop que mais colaborou com outros músicos. Tem de tudo: de sucessos retumbantes, como Under Pressure (com o Queen), até desastres curiosos, como o dueto com Bing Crosby, numa canção de Natal. Mas o importante é que, na qualidade de mito absoluto da música pop, Bowie produziu pérolas com suas colaborações. Aí está:

10 – Tina Turner & David Bowie – Tonight

“Tonight” foi escrita por Bowie e Iggy Pop. Tina Turner se juntou a Bowie e gravou a música no álbum homônimo de Bowie, de 1984. A versão do vídeo é do ano seguinte, da turnê Private Dance, em que Turner convida o mito para cantar ao vivo.

9 – Marianne Faithful & David Bowie – I Got You Babe

Musa dos rock stars, Marianne Faithful era quase tão ousada quanto Bowie. Essa colaboração é marcada por essa bizarrice mútua e por acontecer bem no auge de ambos, em 1973. O vídeo linkado no título é daquelas pérolas: ela, vestida num traje meio moçoila de convento, e ele metido num vestido feminino.

8 – Trent Reznor (Nine Inch Nails) & David Bowie – I’m Afraid of Americans (remix)

A música está originalmente no disco “Eathling” (1997), que tem na sua edição especial a versão remix feita por Trent Reznor, do Nine Inch Nails. O clipe, no link acima, fez muito sucesso em todo o mundo.

7 – Mick Jagger & David Bowie – Dancing in The Street

Lançada nos anos 80, a parceria foi idealizada para gerar fundos às causas humanitárias do Live Aid, em 1985. No clipe, o clima esquenta entre os dois, mas o que interessa é que a música é mesmo muito boa.

6 – Arcade Fire & David Bowie – Wake Up

Eles nunca gravaram nada juntos, mas essa colaboração de Bowie na canção da banda canadense é de emocionar. O camaleão ainda canta outras com o Arcade Fire. É só procurar no youtube.

5 – Placebo & David Bowie – Without I’m Notinhg

A parceria foi registrada no disco homônimo da banda, de 1998. A música é linda e aposta no contraste de vozes de Brian Molko e Bowie.

4 – Iggy Pop & David Bowie – The Idiot (álbum)

Seria difícil eleger a principal colaboração dos dois, até porque eles fizeram tanta coisa junto – incluindo álbuns, shows e músicas – que é quase impossível conhecer tudo. Mas, é possível colocar o álbum “The Idiot” nessa lista, talvez a principal marca que a faceta produtora de Bowie deixou no trabalho de Iggy Pop.

3 – John Lennon & David Bowie – Fame

A música tem uma contribuição pequena de Lennon, que assina a letra (embora o wikipedia diga que ele apenas inspirou Bowie, mas os créditos dão conta de Bowie, Carlos Alomar e Lennon) e canta o “fame” do refrão. Ao lado de Under Pressure, Fame é outra parceria de sucesso estrondoso nos EUA.

2 – Lou Reed & David Bowie – Transformer (álbum)

Aqui também poderia citar Brian Eno, já que os três trabalharam juntos em diversos momentos de suas carreiras. Mas, assim como em The Idiot, Bowie deixa sua marca definitiva em “Transformer”, um belo disco que Reed lançou em 1972 e que contém uma de suas músicas mais especiais, “Walk On The Wild Side”. Bowie assina a produção ao lado de Mick Ronson.

1 – Queen & David Bowie – Under Pressure

Como não eleger Under Pressure a número 1 dessa lista? A música é estonteante e tem tudo de bom que o Queen tem a oferecer (riff pegajoso + vocal imbatível) aliado ao molho especial que só Bowie consegue dar a suas parcerias musicais.

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Os melhores discos de 2011

Rodrigo Carreiro — Thu, 05 Jan 2012 03:05:15 +0000

10 – Whatever’s On Your Mind, por Gomez

O grupo não é tão conhecido por essas bandas, mas vale conferir pelas boas pérolas pop com pitadas de alternative. Nesse disco, pende mais para as melodias assobiáveis, mas nem por isso descartável.

9 – Ashes & Fire, por Ryan Adams

A nova velha salvação do folk americano, Ryan é o típico esquizofrênico musical – até disco de metal ele já gravou. Mas em Ashes & Fire ele mostra porque é um compositor e tanto, trilhando com desenvoltura o caminho dos violões de boas melodias e letras.

8 – The King of Limbs, por Radiohead

Como desconsiderar um disco do Radiohead? A primeira impressão é péssima, mas depois o disco vai crescendo e… pronto! Você é fisgado por músicas como “Lotus Flower” e “Little By Little” e tudo faz sentido.

7 – Mine Is Yours, por Cold War Kids

A banda liderada por Nathan Willet já tinha lançada um ótimo disco de estreia, mas patinou na sequência. Mine is Yours é o terceiro dos caras e tem uma intensidade e urgência nas melodias que casa muito bem com todo o resto simples e direto.

6 – Noel Gallagher’s High Flying Birds, por Noel Gallagher’s High Flying Birds

Ele demorou um pouco mais que o irmão briguento, mas valeu a espera. Grande compêndido de rock e pop, sem pressa e recheado de hits que enchem a sua cabeça logo de cara. Não dá para passar em branco com Noel – e nesse caso é no bom sentido.

5 – Velociraptor!, por Kasabian

Quando você acha que o Kasabian está por fora… Petardo rock dançante de primeira, sem rodeios ou maneirismos. Os caras apostam alto nas guitarras e no balanço, mas o resultado vai longe do convencional.

4 – Suck and See, por Arctic Monkeys

A idade chegou? Pode até ser, mas ela fez um bem danado a Alex Turner e companhia. As melodias são cuidadosamente buriladas, na maior tranquilidade e sem deixar que a chama do rock se apague.

3 – El Camino, por Black Keys

A intensidade das guitarras e da bateria do Black Keys fazem qualquer um balançar a perna para acompanhar a melodia. Quando não é o caso de sair dançando por aí. Discão de rock, rápido, cru e direto para ouvidos dos mais variados.

2 – What Did You Expect From The Vaccines?, por The Vaccines

Uma mistura tão simples e eficaz de Ramones e Jesus And Mary Chain, o Vaccines rompeu o ceú da música pop em 2011 como se fosse a última salvação do rock. Quem se importa se é verdade? Como disse aqui “oVaccines não vai salvar o rock, mas tenho certeza que vai abalar seu fim de semana. Já é grande coisa”.

"Seriously? Foo Fighters?"

**1 – Wasting Light, por Foo Foghters**

Se alguém me dissesse “me indique uma banda de rock”, com certeza eu diria Foo Fighters. E ainda indicaria Wasting Light, para ouvir bem alto em qualquer situação. É impossível enquadrar esse disco num sub-gênero do rock, pois Dave Ghrol e banda armaram o circo de três guitarras (no talo) para cravar de vez o que é rock ‘n roll.

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O melhor e o pior do mundo pop em 2011

Rodrigo Carreiro — Wed, 28 Dec 2011 03:05:15 +0000

Melhor Filme Estrangeiro

A Pele Que Habito [por Bruno Porciuncula] – Tinha tempo que não saía tão atordoado do cinema. A última vez foi em Oldboy, de 2003. Almodóvar conseguiu fazer um filme impactante, com excelentes roteiro, atuações e direção. Menção honrosa: “Meia-Noite em Paris”.

Meia-Noite em Paris [por Rodrigo Carreiro] – Como não amar esse filme? O melhor estilo Woody Allen, com diálogos perfeitos, uma história encantadora e um cenário belíssimo fazem desse filme um dos melhores da carreira do diretor americano.

Biutiful [por Gustavo Castellucci] – Conheço muita gente que não gosta, mas as obras de Iñárritu me agradam. São verdadeiros socos no estômago e Biutiful não foge à regra. Javier Bardem ótimo, histórias paralelas, amor e ódio, e a fragilidade do ser humano em evidência. A ironia do título é a cereja do bolo.

Melhor Filme Nacional

O Palhaço [por Bruno Porciuncula] – Em um ano fraco para o cinema nacional, este longa se destacou pelas atuações de Selton Mello e Paulo José. Apesar de ter alguns problemas no desenvolvimento do roteiro, o saldo é positivo.

O Homem do Futuro [por Rodrigo Carreiro] – De fato, o ano para o cinema nacional não foi dos melhores, mas O Homem do Futuro mostra que é possível fazer cinema altamente comercial sem ser babaca ou apelar para fórmulas prontas.

O Palhaço [por Gustavo Castellucci] – O filme não chega a ser excepcional, mas o tema é deveras interessante. Não falo da batida história do homem que busca um destino na vida, etc, etc, mas da dura realidade dos palhaços de “circos mambembes” que perambulam as pequenas cidades. Lágrimas furtivas correram. Elogiar atuações de Selton Mello e Paulo José é hors-concours.

Melhor Série

Boardwalk Empire [por Bruno Porciuncula] – A série continua como a melhor coisa feita pelo cinema em muito tempo. Uma série adulta que, infelizmente, não vai bem em audiência nos EUA. Espero que continue por mais temporadas.

The Good Wife [por Rodrigo Carreiro] – Falaria facilmente Boardwalk Empire ou The Game of Thrones, mas a série protagonizada por Juliana Margulies supera as expectativas a cada episódio, variando com habilidade o gênero série de tribunal com drama familiar.

Oscar Freire 279 [por Gustavo Castellucci] – Não sou viciado em séries, mas essa além de ser nacional, chamou atenção por ser a primeira dramática feita pelo Multishow, que geralmente só faz água com açucar. O tema é interessantíssimo: prostituição de luxo. Mas, apesar de acreditar que merece uma segunda temporada, acho que ainda precisa aprender com Mandrake.

Melhor Disco

falaria facilmente Boardwalk Empire ou The Game of Thrones, mas a série protagonizada por Juliana Margulies supera as expectativas a cada episódio, pois varia bem o gênero série de tribunal com drama familiar.

O que Você Quer Saber de Verdade, de Marisa Monte [por Bruno Porciuncula] - Tem inovação? Não. Marisa Monte é mais da mesma? Sim. Mas é bem melhor ouvir mais do mesmo de Marisa Monte do que diversas coisas novas que apareceram neste ano. Menção honrosa “Tá Vendo Aquela Lua – Exaltasamba”.

Wasting Light, do Foo Fighters [por Rodrigo Carreiro] - Esse foi o ano de Dave Ghrol e companhia, o ano em que a banda saltou definitivamente do posto de ótimo grupo de rock para o status de astros mundiais. E 2012 vai seguir nessa linha, não tenham dúvidas.

Wasting Light, do Foo Fighters [por Gustavo Castellucci] - Dave Ghrol e sua banda melhoram a cada ano. Disco pesado e dois clipes com pegada oitentista excelentes: Rope – simples e contagiante, e White Limo – com a ilustre presença de Lemmy Kilmister .

Mico do Ano

Turnê que nunca houve de João Gilberto [por Bruno Porciuncula] - Nos 80 anos do cantor, o ano passa em branco em virtude dos preços caros e de uma “gripe”. E o que mais impressionou: nenhuma empresa se interessou em patrocinar.

Turnê que nunca houve de João Gilberto [por Rodrigo Carreiro] - O cantor baiano pediu para estar nessa categoria. Sua aura de artista eremita já perdeu a graça há tempos e em 2011 o sepultou de vez.

Turnê que nunca houve de João Gilberto [por Gustavo Castellucci] - Com tanta grosseria e arrogância ele nunca entendeu que no peito dos desafinados também bate um coração. Agora, pela primeira vez, vai dançar (sozinho) uma valsa de quem não tem amor. Aqui se faz, aqui se paga.

Destaque do Ano

Brasil na rota dos shows internacionais [por Bruno Porciuncula] - Acredito que 2011 superou qualquer outro ano em relação a atrações internacionais. Entramos, definitivamente, na rota dos grandes shows. Infelizmente, a província baiana ficou de fora. Mas também, quando tivemos Beyoncé e Black Eyed Peas, ambas altamente populares, o público não compareceu. Assim, fica impossível alguém querer investir e trazer outros artistas deste nível para cá.

Woody Allen e Pedro Almodóvar em alto nível [por Rodrigo Carreiro] – É possível que daqui a 20 anos ainda lembremos que 2011 foi o ano em que “Meia-Noite em Paris” e “A Pele que Habito” foram lançados. Importante também para deixar claro o que é cinema bem feito, com apuro técnico e dramático que só diretores dessa magnitude podem alcançar.

Morte de Amy Winehouse [por Gustavo Castellucci] - Tudo bem que sempre se cantou essa bola. Sempre se questionou quanto tempo ela ainda suportaria a vida junkie regada a álcool e drogas. Mas quando Amy morreu todos fomos surpreendidos e sentimos um vazio. Mais uma que entra para o Clube dos 27.

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A PEC da Música, o iTunes e o futuro da música no Brasil

Rodrigo Carreiro — Thu, 15 Dec 2011 03:05:50 +0000

Roberto Carlos no iTunes Brasil: reforço de peso

Na mesma semana em que a Apple lançou o iTunes no Brasil, um grupo de artistas brasileiros comemora a aprovação da PEC 98/2007 (proposta de emenda constitucional), a chamada PEC da Música. No texto do deputado Otavio Leite (PSDB-RJ), a produção de música e prensagem em CD e DVD ficam isenta de impostos, o que prevê a redução de 30% no preço final dos produtos. Mas há, realmente, motivos para comemoração?

Hoje, o mercado que enfrenta grande expansão não é o de venda de CDs e DVDs, fato, aliás, notório e de conhecimento geral. O boom está na comercialização de música digital, via sites como Sonora (e agora iTunes) ou via celular. O principal: a produção de mídia física é cada vez mais escassa e foge do padrão atual e futuro da distribuição de música no mundo. O público ainda quer comprar CD? Sim, é óbvio que uma fatia da população ainda prefere o bom e velho compact disc, mas esse número é cada vez menor. Se todos têm computador, as classes C e D estão entrando na festa digital, porque então investir esforço e capital político para uma causa perdida?

Artistas como Fafá de Belém, Sandra de Sá e Roberto Menescal, a “vanguarda” da música brasileira, comemoraram, crentes de que a pirataria no Brasil é fruto somente do preço do disco. OK, é lógico pensar que um CD por R$15 é mais viável comercialmente que um de R$22, mas não parece que é essa redução que vai forçar o público a comprar música. Há o componente principal: a mecânica do consumo.

Enfim voltando ao início do texto, porque, então, a mega e antenadíssima Apple veio para o Brasil vender música digital? A tal PEC até vai ajudá-la de certa forma, uma vez que a isenção fiscal atinge a produção e comercialização de música em geral, não importa o meio de “veiculação”. Mas o iTunes é um produto do seu meio, desenvolvido e atento ao consumidor. Ficou provado em diversos lugares do mundo que o público paga pela música, basta ela ser distribuída da forma como ele gosta de consumir. Comprar um CD, tirá-lo da capa, colocar no player, passar as faixas e sentir o cheirinho do encarte formam um ritual interessante, mas não é isso que o público de hoje quer. Não adianta nadar contra a maré.

A PEC, portanto, já nasce morta ou, no mínimo, com os dias contados. A nova música brasileira, que produz a música de qualidade no nosso país, está pouco se lixando para a isenção na venda de CDs. Eles colocam tudo de graça na internet, fazem corpo-a-corpo, articulam-se e correm atrás de shows pelo Brasil afora. Quem rezou pela aprovação da PEC e soltou fogos, vejam vocês, são aqueles artistas do grupo Morreu e Esqueceram de Enterrar. Tudo a ver.

A festa da turma do "já morreu"

Artistas como Fafá de Belém, Digão (do Raimundos, ele mesmo) Sandra de Sá e Roberto Menescal, a “vanguarda” da música brasileira, comemoraram, crentes de que a pirataria no Brasil é fruto somente do preço do disco. OK, é lógico pensar que um CD por R$15 é mais viável comercialmente que um de R$22, mas não parece que é essa redução que vai forçar o público a comprar música. Há o componente principal: a mecânica do consumo.

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Discoteca Brasileira – Mariana Aydar – Cavaleiro Selvagem Aqui Te Sigo (2011)

Rodrigo Carreiro — Wed, 26 Oct 2011 02:25:58 +0000

Mariana Aydar – Cavaleiro Selvagem Aqui Te Sigo (2011)

A paulistana Mariana Aydar é certamente um dos principais talentos da nova safra da música brasileira, mesmo que ela prefira afastar-se desse rótulo. Seu mais recente trabalho “Cavaleiro Selvagem Aqui te Sigo”, o terceiro da carreira, mostra uma cantora em constante evolução. Existe uma fuga da mesmice trazida por diversas cantoras brasileiras, que preferem se infiltrar somente no samba ou mesmo trazer algum ar de pseudomodernidade às gravações. Neste álbum há espaço para diversos estilos, desde rock até o forró, com direto à participação especial de Dominguinhos na doce “Preciso do teu Sorriso”. Até mesmo por esta razão, seja difícil rotular o estilo de Mariana neste universo musical.

Algo que chama atenção neste álbum é a coprodução do baiano Letieres Leite, fundador da Orquestra Rumpilezz, a qual Aydar conheceu há cerca de um ano e teve a ideia de trazê-lo para participar da produção do disco, gravado praticamente ao vivo no NaCena Studios, em São Paulo, com alguns adicionais no estúdio próprio da cantora, o Casa de Kavita. Portanto, prepare-se para ouvir bons arranjos de percussão e metais durante todas as músicas.

Algumas das músicas de “Cavaleiro Selvagem” chegaram a ser apresentadas ao público em diversos shows da cantora, que serviram como uma espécie de laboratório para aprovação ou não do público. Foi o caso da excelente versão de “Nine Out of Ten”, de Caetano Veloso, gravada no antológico disco Transa, de 1972 e de “Porto” (Porto, é Lisboa ou Salvador/Lindo, é cidade ou é amor), composição de Romulo Fróes e Nuno Ramos. Excelentes também estão as versões de “Galope Rasante”, do cantor e compositor paraibano Zé Ramalho, e de “Vai vadiar” (Alcino Corrêa e Monarco), conhecido samba na voz de Zeca Pagodinho, e que no disco ganha um novo arranjo, quase um tango por conta da sanfona de Guilherme Ribeiro.

Mariana Aydar, ou melhor Kavita (seu codinome), apresenta algumas composições próprias como “Solitude”, assinada com Luísa Maita e Jwala, composta durante um retiro espiritual; “Floresta”, com Guilherme Held e Tiganá Santana, que participa nos vocais; “Cavaleiro Selvagem”, com o rapper Emicida; e “Vinheta da Alegria”.

A banda “Los Caballeros” acompanha a cantora em todas as faixas: Robinho nos baixos, Guilherme Held nas guitarras (de 6 e 12 cordas), Gustavo de Dalva na percussão e efeitos, Guilherme Ribeiro nos teclados (Rhodes, Hammond, piano acústico e sintetizadores) e Duani Martins, o segundo produtor deste álbum e também dois anteriores “Kavita 1” (2006) e “Peixes, Pássaros, Pessoas” (2000), na bateria. Letieres Leite toca flauta, pífano e caxixi.

Conseguindo percorrer pelos mais diversos estilos e com uma moldura musical mais apurada, Mariana Aydar mostra ter firmeza e conhecimento sobre o que está fazendo, uma projeção de que vem muita coisa boa pela frente.

Por Rodrigo Cunha*

* jornalista, designer, pesquisador em comunicação (UFBA) e apaixonado pela música brasileira. (@cunha85)

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Fazendo gol no Rock’n'Roll

Gustavo Castellucci — Tue, 18 Oct 2011 17:45:03 +0000

Depois de alguns anos deixado de escanteio, o projeto do ex-goleiro, comentarista esportivo da Rede TV!, e eterno ídolo corintiano Ronaldo volta a campo. A banda “Ronaldo e os Impedidos” vai buscando novamente um lugar ao Sol. Em meados dos anos 90 a banda emplacou o hit “O nome dela”, deu canja no Jô Soares Onze e Meia, lançou clipe na MTV e tudo mais. A banda comemora dez anos, mas o bandleader Ronaldo quer provar que o rock sempre correu em seu sangue, e que aquilo não foi só um passatempo de um jogador de futebol. Aliás, foi justamente a carreira paralela (a de jogador) que dificultou a conciliação de treinos e concentrações com ensaios e shows. A bola bateu na trave!

Em seu twitter oficial, @Ronaldo601 costuma postar fotos de shows em casas noturnas de São Paulo, como o Na Mata Café. A volta da banda aconteceu há pouco mais de um ano, na festa do centenário do Corinthians, em 1º de setembro de 2010. Os caras tocaram para 120 mil pessoas no Vale do Anhangabaú. Nada mal, não é?!

São dois CD’s lançados e mais de 65 mil cópias vendidas. Além das músicas autorais, “Ronaldo e os Impedidos” tocam alguns covers bem conhecidos, que vão de Elvis a Megadeth. A nova de trabalho chama “Onde está o Rock and Roll”.

Você pode até ficar com um pé atrás, não gostar do estilo, dos músicos, ou da voz de Ronaldo, mas tenha certeza de uma coisa: tem muita bandinha meia-boca fazendo sucesso por aí que não amarra a chuteira dessa banda.

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É preciso relativizar a importância de Steve Jobs para a música

Rodrigo Carreiro — Thu, 06 Oct 2011 12:31:19 +0000

A morte de Steve Jobs, sentida nos quatro cantos da internet, trouxe consigo a ideia definitiva de que ele foi um revolucionário e o gênio máximo dos nossos tempos. Com seus computadores com processadores fortes, sistema operacional imbatível e design de luxo, Jobs criou um mito, uma lenda por trás de si próprio e de seus produtos. Virou também ícone daqueles contrários a Bill Gates, esse tido como o diabo que cria softwares e sistemas ruins, mas que o mundo inteiro utiliza e pirateia sem remorso.

Minha intenção aqui não depreciar Jobs, afinal, não sou burro a ponto de ignorar sua importância para o mundo dos computadores e da tecnologia em geral. Pretendo, no entanto, questionar seu valor para a indústria da música e o modo como as pessoas consomem música hoje. Nesse quesito, o cara tem muita importância, mas devemos relativizá-la em alguns aspectos.

Primeiro, os “i” da vida são caros e inacessíveis. Ao contrário, por exemplo, de um PC ou notebook tradicional, os computadores pessoais, iPods e notes da Apple têm esse design lindo, funcionalidade de primeira (assim dizem os adeptos) e uma enxurrada de pontos positivos. Mas tudo isso só pode ser acessível pelas vitrines das lojas, pois a maioria das pessoas não pode comprar. Mas quer, deseja, anseia (tá aí um dos grandes méritos do cara). Um iPod é caríssimo se comparado a outros mp3 players do mercado e o que, A RIGOR, de diferente é oferecido? Navegabilidade? Qualidade sonora? Tudo isso é relativo, pois vivo muito bem sem um iPod, assim como tantas outras pessoas.

Segundo e mais importante: Jobs não criou a música portátil nem muito menos o mp3 player. Como alguns mais velhos lembram, a Sony inventou o Walkman em 1979 (há controvérsias, leia aqui a respeito), essa sim uma mega revolução na música. Naquele momento não existia possibilidade de uma pessoa ouvir música enquanto andava, por exemplo. Anos depois, veio o discman, e então era possível ter música portátil de melhor qualidade.

Pelo que consta – alguém me corrija, por favor – o mp3 foi inventado por alemães ainda no final dos anos 80, tecnologia que foi posteriormente aperfeiçoada. Somente em 1995 o formato ganhou esse nome e passou a correr o mundo. Aqui novamente entra a Sony, que meteu seus japoneses nerds no processo e criou, em 1997, um padrão de arquivo ainda melhor. No ano seguinte, os primeiros players de mp3 surgem, portáteis e com memória flash. Na história do mp3 eu nem citei ainda o Napster e sua tecnologia revolucionária de troca de arquivos ponto a ponto. A Apple só entrou no bonde em 2001, quando a empresa jogou no mercado o caríssimo player com 5G de capacidade – quando o mundo inteiro já consumia música portátil e já usufruía das maravilhas do mp3.

O que quero dizer – novamente é preciso fazer uma ressalva para que os applefreaks não me ameacem de morte – é que Steve Jobs tem muita importância para a indústria da música, da distribuição ao consumo, mas não podemos de analisar isso à luz dos fatos. As pessoas normalmente colocam em Jobs um carimbo de revolucionário em tudo que ele faz – e vemos que isso não é verdade. O cara teve o grande mérito de pegar o bonde andando e aperfeiçoá-lo, tornar o mp3 player algo comum, embora venda seus produtos a preços exorbitantes.

: música portátil em fita K7

Segundo e mais importante: Jobs não criou a música portátil nem muito menos o mp3 player. Como alguns mais velhos lembram, a Sony inventou o Walkman em 1979 (há controvérsias quanto à invenção do padrão tecnológico), essa sim uma mega revolução na música. Naquele momento não existia possibilidade de uma pessoa ouvir música enquanto andava, por exemplo. Anos depois, veio o discman, e então era possível ter música portátil de melhor qualidade.

: Esse é o MPman F10, primeiro mp3 player lançado

O que quero dizer – novamente é preciso fazer uma ressalva para que os applefreaks não me ameacem de morte – é que Steve Jobs tem muita importância para a indústria da música, da distribuição ao consumo, mas não podemos deixar de analisar isso à luz dos fatos. As pessoas normalmente colocam em Jobs um carimbo de revolucionário em tudo que ele faz – e vemos que isso não é verdade. O cara teve o grande mérito de pegar o bonde andando e aperfeiçoá-lo, tornar o mp3 player algo comum, embora venda seus produtos a preços exorbitantes.

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Nevermind e seus 20 anos que ainda fazem sentido

Rodrigo Carreiro — Mon, 26 Sep 2011 04:24:20 +0000

Por Marcio Oliveira

Não parece, passou bem rápido e pode te fazer sentir mais velho, mas lá se vão 20 anos desde o lançamento do seminal Nevermind, do Nirvana. Album que mudou completamente a forma como a indústria enxergava o rock. Catapultando para o mainstream um novo movimento chamado Grunge e colocando Seattle como referência musical.

Album fundamental para a historia da música, Nevermind, segundo do Nirvana, possui em suas 11 músicas muitos hits, mas nenhum tão importante quanto aquela que lembra o cheiro de um desorante barato “Smells likes teen spirit”. Pensar novamente nisso traz a tona muitas lembranças, principalmente se você está chegando na casa dos 30, pois definitivamente o nirvana esteve presente na sua vida musical, e até hoje é referencia para muita gente que começa ouvindo rock.

Com mais de 30 milhões de cópias vendidas desde seu lançamento em 1991 o album ainda possui uma emblemática capa, imortalizada com a foto do bebê Spencer Elden nadando em busca da nota de 1 dólar presa em um anzol. Se você, como muita gente, já nem sabia mais o que era comprar CDs, vale a pena ter esse (re) lançamento.

Não parece, passou bem rápido e pode te fazer sentir mais velho, mas lá se vão 20 anos desde o lançamento do seminal Nevermind, do Nirvana. Álbum que mudou completamente a forma como a indústria enxergava o rock. Catapultando para o mainstream um novo movimento chamado Grunge e colocando Seattle como referência musical.

Álbum fundamental para a historia da música, Nevermind, segundo do Nirvana, possui em suas 11 músicas muitos hits, mas nenhum tão importante quanto aquela que lembra o cheiro de um desodorante barato “Smells likes teen spirit”. Pensar novamente nisso traz a tona muitas lembranças, principalmente se você está chegando na casa dos 30, pois definitivamente o Nirvana esteve presente na sua vida musical, e até hoje é referencia para muita gente que começa ouvindo rock.

Para comemorar essa data está sendo lançada uma caixa chamada “Nevermind – 20th Anniversary Box Set”, uma compilação que traz além, claro, da versão original resmasterizada, algumas raridades e versões gravadas em sessões especiais como as da BBC. Quatro CDs que tentam resumir toda a carreira da banda e que possui ainda uma apresentação ao vivo inédita no Paramount Theatre. Além disso, a Spin Magazine preparou um tributo ao Nevermind com artistas cantando as 13 músicas do disco na ordem original (baixe aqui for free). O mais legal: Meat Puppets e Vaselines, duas das bandas favoritas de Kurt Cobain, fazem parte do tributo. A primeira tocando o clássico maior da banda (nem precisa dizer qual é) e Vaselines mandando ver em Lithium.

Com mais de 30 milhões de cópias vendidas desde seu lançamento em 1991, o álbum ainda possui uma emblemática capa, imortalizada com a foto do bebê Spencer Elden nadando em busca da nota de 1 dólar presa em um anzol. Se você, como muita gente, já nem sabia mais o que era comprar CDs, vale a pena ter esse (re) lançamento.