O filme dessa vez é o cultuado “O Artista”, que não é lá essas maravilhas todas, mas ainda assim é um ótimo exemplar de ode à sétima arte. A cena em questão é a do segundo encontro entre George e Peppy, a dupla romântica clássica do filme.

No dia anterior eles já haviam se conhecido e uma faísca surgiu entre os dois. A cena se passa num estúdio, o ambiente que George domina, em que ele é o rei e o maior astro. Algumas pessoas estão à sua volta e o produtor Al Zimmer resmunga alguma coisa com ele (mostrando uma edição do semanário Variety). É aí que ele percebe alguém por trás de um painel. São pernas bonitas e ele não sabe que, na verdade, trata-se de Peppy. O diretor Michel Hazanavicius explica que ele quis criar a clássica cena (clichê, em suas próprias palavras) do encontro entre mocinho e mocinha. Um encontro estabanado, sem pretensão de nada, que revela o encantamento de um e a timidez de outro.

O molho especial nesse caso é utilizar um painel para separar os dois. É óbvio que eles irão se encontrar, mas é bem divertido acompanhá-los desafiando um ao outro. Hazanavicius diz que o importante é saber como eles irão se encontrar, e não SE irão. Também é importante para mostrar como a história vai se desenrolar dali para frente. Os dois separados na maior parte do filme, mas unidos pela dança e pelo amor à arte da atuação.

Hazanavicius vai além e acredita que essa cena é como uma cena de amor, mas consumada pela dança. É um clichê tremendo, mas sua execução é bela. George é super charmoso e é quase impossível resistir a ele quando o painel sai da frente e os dois são finalmente “apresentados”. A partir daí todos imaginam mais ou menos o que vai acontecer.

Um ótimo exemplo de clichê bem empregado.

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As únicas regras que sigo são: a banda tem de ser independente e ter streaming de suas músicas. Isso porque, convenhamos, não dá para pensar hoje em divulgar seu som sem colocá-lo para audição na internet. O resto vocês verão por aqui.

Se você tem banda, mande seu link pra gente: rodrigocarreiro@gmail.com

Harmada

desde: 2007

onde: Rio de Janeiro

facebook: /bandaharmada

discos lançados: Música Vulgar para Corações Sujos (2011)

pra quem gosta de…: power pop, Stereophonics, Smashing Pumpkins

 :: E daí!?

A banda lançou disco no ano passado, mas só ouvi no início desse ano. Basicamente os caras fazem um som com pegada pop rock, mas vão além dos clichês do gênero ao apostarem em letras acima da média. Com certeza algumas músicas vão grudar facilmente em sua cabeça, pois as melodias são certeiras e os riffs são no velho estilo power pop. Claro que não é essa maravilha toda, mas cumpre bem seu papel. Gostei do apelo urbano das letras, do tom cotidiano com o qual a banda trata sua música.

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direção: Joss Whedom
elenco: Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Scarlett Johanson, Tom Hiddleston, Chris Evans, Samuel L. Jackson, Chris Hemsworth
país: EUA
gênero: ação
ano: 2012

Talvez um dos filmes mais aguardados dos últimos anos (década?), “Os Vingadores” chegou aos cinemas em 2012 com o pé na porta: arrebatando multidões com um filme realmente digno e bom em diversos sentidos.

“Os Vingadores” é a história do grupo de super heróis que é convocado para salvar a terra do vilão Loki, que se apodera de uma pedra mágica para dominar o mundo.

De cara, o roteiro do longa não faz concessões a desvios: a trama é simples e até óbvia – e isso é muito bom. Com tantos personagens e possíveis histórias, não dá para ficar se concentrando demais em apenas um. Isso, aliás, já foi feito anteriormente: duas vezes com o Homem de Ferro e Hulk, uma vez com Thor, Capitão América e Viúva Negra. O único “perdido” é Hawkeye, talvez a única ponta solta do roteiro. Não sabemos direito quem ele é, de onde vem, porque está ali, quais suas habilidades além das óbvias, suas motivações etc. Mas isso é o de menos, só é ruim mesmo para o ator que o interpreta, Jeremy Renner.

Ainda sobre a trama, os roteiristas são eficazes porque só precisam de 15 minutos para apresentar o conflito do filme: a tal pedra foi roubada da organização S.H.I.E.L.D. e precisa ser recuperada. E quem melhor para o trabalho que 6 super herois? É isso e pronto. A partir daí, seremos apresentados novamente aos personagens que já conhecemos, o que já nos dá uma ponta de proximidade com cada um. A gente se reencontra com Tony Stark e já sabe como ele é, assim como Thor, Capitão América e todos os outros. Mais pontos para o roteiro, que parte do pressuposto que todos já conhecem os herois.

Talvez resida nisso um dos trunfos do filme. Não precisamos de enrolação, fato que já elimina o que me incomoda muito em filmes (não as HQs) de heroi: as diversas pontas soltas no roteiro e uma quantidade cansativa de informação sem necessidade. Um exemplo está em Tony Stark, o bilionário fanfarrão que se transforma em Homem de Ferro e faz piada a cada 3 minutos. É sério, veja os dois Homem de Ferro e conte comigo: a cada três minutos ele faz uma piada e isso é insuportável por 2 horas. Em “Os Vingadores” ele é apenas mais um e não tem todo o foco sobre si, assim como não precisamos aguentar a culpa de Thor o tempo inteiro ou o pragmatismo de Bruce Banner. Tudo está na dose certa.

O importante, portanto, é a dinâmica de todos eles. Como esse combo de personalidades e habilidades convive juntos? E é aí que a coisa funciona. As lutas são excelentes, todos os personagens (ou quase) lutam entre si e depois de percorrerem uma mini jornada de conhecimento, percebem que só juntos podem eliminar o mal. As cenas de destruição em Nova York são belas e bem resolvidas.

Ainda que o vilão Loki seja chatinho e sem profundidade (culpa de Heath Ledger e Nolan, que elevaram o nível dos vilões a um patamar ainda inalcançável), isso não atrapalha. Há, na plateia, um sentimento geral de que era preciso ver aqueles herois juntos se matando e matando outros figurões, independente de vilões, histórias paralelas ou qualquer outra coisa. E esse objetivo “Os Vingadores” cumpre com maestria.

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direção: Joe Carnaham
elenco: Liam Neeson, Dermot Mulroney, Dallas Roberts
país: EUA
gênero: ação/drama
ano: 2011

Assistir ao trailer de “A Perseguição” gera a clássica desconfiança de que aquele filme é mais um exemplar do gênero ação e sobrevivência. No entanto, apesar de cair em algumas armadilhas bobas, o filme se revela melhor do que o esperado.

“A Perseguição” conta a história de sete sobreviventes de um acidente aéreo, perdidos entre o frio e os lobos e liderados pelo caçador Ottway (Liam Neeson).

O filme nos apresenta a um mundo novo. Estamos falando de um local no meio do nada e coberto por neve, propício para que Ottway vá trabalhar numa refinaria e, consequentemente, curar suas mágoas. Ele está longe de tudo e parece não se entrosar com a horda de trabalhadores sedentos por um gole de vodca para fugir do frio. É, claramente, o peixe fora d´água. Nós o conhecemos melhor porque ele expõe seus sentimentos na narração em off: medo, angústia e desilusão. Joe Carnaham, o diretor, é preciso nesses primeiros 15 ou 20 minutos de filme e apresenta esse cenário de forma competente – importante porque logo em seguida nós sabemos o que vai acontecer, afinal, já lemos a sinopse e/ou assistimos ao trailer.

Naquele mundo selvagem e intocado pelo homem, vemos sete homens na mais natural luta pela sobrevivência. Se não bastasse o frio intenso, eles estão cercado por lobos sedentos. É o momento que o roteiro nos apresenta aos personagens, aqui de forma um tanto quanto clichê. Temos o chato, o piadista, o sério, o valentão e por aí vai. Alguns deles só serão aprofundados mais para frente e de forma satisfatória, contando sobre suas vidas e o que os esperam se saírem daquela enrascada. Nesse quesito, se destacam Neeson, que faz seu Ottway passar da desilusão com a vida para um instinto de sobrevivência aguçado, Dallas Roberts e Dermot Mulroney, ambos tratando seus personagens com cuidado e explorando o drama somente quando é necessário.

A luta óbvia entre o homem e a natureza é posta em cheque com a introdução dos lobos na história. O que é mais difícil: enfrentar o frio desumano ou os lobos selvagens? Há uma clara intenção em opor homens e animais, embora o instinto de sobrevivência obrigue a ações ininmagináveis no “mundo real”. Há uma briga estratégica interessante entre os sobreviventes e os lobos, que muitas vezes recai em clichês chatos, mas que em alguns outros momentos se sai bem. Nesse quesito da oposição, é importante a construção inicial do personagem de Ottway, um cara que é responsável por matar lobos para que estes não ataquem operários da fábrica. Além disso, ainda no começo do filme, Ottway mata um animal e aparentemente se arrepende. Cena que será ironicamente oposta ao restante do longa.

Ao final, fica a certeza de que Liam Neeson é um ator de respeito, que transforma um personagem linear em outro mais profundo, e de que “A Perseguição” garante boas cenas de ação, suspense e drama.

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direção: Nicolas Winding Refn
elenco: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Bryan Cranston, Oscar Issac
país: EUA
gênero: ação/suspense
ano: 2011

Em “Drive”, o espectador não vai encontrar perseguições mirabolantes, nem troca de tiros de arrepiar. Vai, sim, acompanhar uma história de ação e suspense que vai lhe fazer prender a respiração para não perder um milésimo de segundo sequer.

“Drive” é a história de um habilidoso motorista e dublê (Ryan Gosling) que vê sua vida mudar ao conhecer a bela Irene (Carey Mulligan) e tentar salvar a pela dela e do filho das mãos de bandidos.

Para começar, como se quisesse marcar definitivamente seu estilo, o diretor Nicolas Winding Refn nos brinda com uma cena de abertura simplesmente fantástica. Não há arestas a serem aparadas. O “driver” é o dono da tela e desliza vagarosamente e perigosamente por Los Angeles. É tão exímio motorista que não precisa correr. Apenas dirige, como ele próprio diz. O suspense fica a cargo da frieza do protagonista: como ele pode estar tão calmo com a política de L.A. inteira à sua procura? Mas ele encontra espaços escondidos e sai ileso. É a “cena James Bond” do filme, como se fosse um prólogo de todo o restante que está por vir.

O que vem depois, portanto, segue aquela lógica. O driver é um cara tranquilo, tão frio que dá raiva. Não se abala com nada – o que é evidenciado na cena em que ele acaba de capotar o carro na gravação de um filme e, nem assim, exibe um gesto mais exacerbado. Interessante também que todo o filme, da direção à montagem, é lento, mas não o lento chato, e sim o lento no sentido de tornar aquela trama mais intrigante possível. Para quê a pressa? Você não verá perseguições alucinantes, cortes de imagens de 1 segundo em 1 segundo, nem muito menos milhões de tiros disparados. Ainda assim, o filme é de uma ação eletrizante, porque o que realmente interessa está na tela: a tensão e a dúvida em saber como Driver sairá daquela enrascada.

Nesse sentido, é imprescindível a atuação segura de Ryan Gosling. Sempre focado num ponto além do que vemos na tela, ele antecipa suas ações. Embora exista perigo em diversos momentos, sabemos que ele vai conseguir superar. Esse tom implacável só é abalado quando ele se relaciona com Irene e seu filho, Benicio. Ele derrete e é capaz de ajudar seu adversário amoroso, Standard, para salvar a pele da bela Irene. Nesse conflito, entram ainda os personagens bandidos de Nino e Bernie, interpretações com ótima dose de cinismo.

No final, mesmo que a conclusão não seja do agrado do espectador, fica a clareza de que “Drive” é um exemplar de gênero que precisa ser seguido pelos próximos filmes de ação, para que não nos concentremos apenas em tiros, perseguições e edição ao estilo videoclipe.

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Demorou, mas chegou. Temos a honra de apresentar a 6a edição do Café com Popcast, sua dose nada saudável de música, cinema e cultura pop. Quase um ano depois e nós voltamos do jeito que você conhece: destaques iniciais, tema central, contra-plongê, dicas musicais e, claro, discussão solta que você já está acostumado. O Especial da edição é dedicado à Cidade de Deus, filme que completa 10 anos em 2012 e mudou o cinema nacional nesses últimos anos. Falamos também de Fernando Meirelles e sua carreira, questões técnicas do filme, cenas marcantes e muito mais. Preparado?

Cidade de Deus 10 anos – um raio-x do filme que revolucionou o cinema nacional há 10 anos. E mais: cenas marcantes, uma comparação com Tropa de Elite, violência na tela, dentre outros assuntos.

Contra-plongê – dissecamos a carreira de Fernando Meirelles: de Domésticas à Ensaio Sobre a Cegueira, uma carreira regular e sempre no topo.

E mais…: Guns ‘n Roses (Axl) se recusando a entrar no Hall of Fame, Need for Speed nas telonas, Os Vingadores vem aí, Alabama Shakes, Maria Gadu, Cascadura com disco no forno e muito mais.

#vamosnessa?

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Contato: podcast@cafecompop.com

Produção, comentários e roteiro: Rodrigo Carreiro, Bruno Porciuncula, Gustavo Castellucci e Marcio Oliveira, o Pimenta

Edição: Gustavo Castellucci

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Há algumas semanas, a EA Sports anunciou que levará para os cinemas uma de suas franquias mais famosas, Need For Speed. A ideia é criar uma série de filmes, e material não falta. Ao todo, já são 18 tipos diferentes de Need For Speed, do clássico ao recém-lançado The Run. Mas será que vale a pena?

Uma rápida pesquisada em filmes baseados em vídeo games não traz boas lembranças para nenhum amante do cinema. As adaptações normalmente são ruins, com roteiros fracos e atuações desesperadoras. O foco é todo na ação e pouca importância é dada ao fator humano. Na minha visão, esse é o grande problema dessas adaptações: não há sentimento, nem cenas de aproximação humana com o espectador. É muita porrada, explosões e tiros, muitas vezes em cenários futuristas ou totalmente desconhecidos do público. A identificação fica prejudicada.

Os melhorzinhos – a lista dos mais toscos está logo abaixo – são Tomb Raider, Resident Evil e Prince of Persia. E, ainda assim, forçando um pouco a barra, porque, sinceramente, nenhum dessas franquias enche os olhos. A mais bem sucedida é Resident Evil que, bem ou mal, conseguiu sobreviver 10 anos e em 2012 será lançado o quinto filme da série, “Resident Evil: Retribution”. Tomb Raider foi responsável por colocar Angelina Jolie definitivamente no mapa das grandes estrelas conhecidas mundialmente. E só. Já Prince of Persia é o filme adaptado de vídeo game com a maior arrecadação, com mais de R$300 milhões no cofre. Mas também não empolga.

Já as piores adaptações…

Mortal Kombat

Street Fighter

Max Payne

Blood Rayne

Super Mario Brothers

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direção: Jean-Pierre e Luc Dardenne
elenco: Thomas Doret, Cécile De France
país: Bélgica
gênero: drama
ano: 2011

Resultado de mais uma investida cinematográfica dos badalados irmãos Dardenne, “O Garoto da Bicicleta” parece mais um capítulo de uma longa saga que nunca termina, dada a unidade que os cineastas demonstram em sua obra.

O filme conta a história do garoto Cyril (Thomas Doret), recém colocado num orfanato pelo próprio pai, que o abandona após a morte da avó do menino. Cyril encontra na cabeleleira Samantha (Cécile de France) a possibilidade de mudar de vida.

Na cinematografia recente da Europa, dos últimos 15 anos, talvez os nomes dos belgas Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne sejam os mais aclamados pela crítica. Levaram para casa duas palmas de ouro e um caminhão de prêmios e aplausos. São, realmente, cineastas de mão cheia. Sabem o que estão fazendo e, principalmente, tem consciência do poder que têm e o utilizam para contar histórias avessas ao marasmo belga. São histórias de imigrantes ou crianças órfãs que dão o tom dos filmes dos Dardenne, apontando o foco para um lado mais cru e real da Europa pós-União Europeia. Crise financeira, desemprego, desilusão, imigração ilegal etc. Por isso, como disse no primeiro parágrafo, os filmes da dupla pareçam uma longa sequência que nunca tem fim.

Esse é o motivo para que, como é natural em histórias muito grandes, alguns capítulos e pedaços dessa “saga” se percam no caminho. Esse é o caso de “O Garoto da Bicicleta”, um exemplar que tem tudo que os irmãos já mostraram, mas de forma mais simplória e com pouco brilho. Fica a mesma impressão de quando vemos um filme médio de Woody Allen, como “Você vai Encontrar o Homem dos Seus Sonhos”: a marca está lá, o filme não é ruim, mas segue a mesma lógica de anteriores que, por isso, tornam o atual fraco. É assim com “O Garoto da Bicicleta”. O filme é bom, tem ótimas cenas, mostra ao mundo problemas sociais talvez inimagináveis para um país de primeiro mundo (abandono, drogas e crise financeira), mas não passa disso. Diria que é um filme inofensivo.

Cyril, em ótima performance de Thomas Doret, dá luz e fôlego ao filme. Ele domina as cenas e é ótimo em alternar sentimentos opostos – indispensável para o sucesso de seu personagem. Assim também é Samantha, igualmente bem interpretada por Cécile De France. Solitária, encontra no garoto órfão a oportunidade de dar ao mundo a segunda oportunidade que qualquer garoto perdido precisa. Na trama, os dois vão se conhecendo aos poucos e, embora com altos e baixos, se dão bem desde o primeiro momento em que se encontram. Outro ponto positivo é a utilização quase que transcendental da bicicleta; ao mesmo tempo em que é objeto de desejo típico de uma criança, também se transforma num elo importante e forte entre Cyril e seu pai.

No final, fica até uma mensagem positiva – o que não é habitual em alguns dos filmes da dupla. Fica, sobretudo, um gostinho de que o próximo capítulo dessa história será muito mais interessante e saborosa, como “O Silêncio de Lorna” e “Rosetta”.

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O burburinho da semana, pelo menos para os que gostam de música, não foi o Coachella em si, mas sim uma das apresentações do mega festival americano. O rapper Tupac, morto em 1996, apareceu ao vivo e a cores no palco, no último domingo, para fazer um dueto com Snopp Dog. Foi lá, cantou duas músicas e, literalmente, desapareceu ao final da performance.

A “bruxaria”, apesar de impressionante e surpreendente, não é lá coisa nova. Trata-se da técnica chamada “Pepper’s Ghost”, inventada no longíquo ano de 1862. Isso mesmo, século XIX. Mas é claro que naquela época a história era outra: tratava-se de uma peça de teatro (“The Haunted Man and the Ghost’s Bargain”, de Charles Dickens) e o efeito trazia à cena atores reais, num truque de ilusionismo simples, mas bastante eficiente. No caso de Tupac, o buraco é muito mais embaixo.

Apesar de a técnica ser praticamente a mesma, o resultado impressiona por alguns motivos. Primeiro, pelo tom real da apresentação. Tupac não canta mecanicamente; ele interage com a plateia e com Snopp Dog. Isto é, a empresa responsável pelo trabalho, Digital Domain Media Group, utilizou técnicas avançadas de efeitos especiais para criar os movimentos do rapper, exclusivos para o Coachella. Além disso, estamos falando de um cara morto. A imagem que ilustra o post explica melhor como funciona a ilusão.

Nos últimos anos, o Pepper’s Ghost tem sido utilizado de forma inovadora tanto no cinema quanto na música. “O Curioso Caso de Benjamin Button” é um exemplo, em que projeções de Brad Pitt foram criadas para interagir com outros atores. Nesse caso, muito mais “simples”, uma vez que era possível manipular as imagens na pós-produção e torná-las perfeitas. Na música, dois casos famosos se destacam. O primeiro aconteceu em 2006, na festa do Grammy, onde o Gorillaz mudou sua tradicional apresentação virtual (tosca e normal) pela projeção fantasma – que contou ainda com participação de Madonna, essa em carne e osso. E a outra, um tanto quanto constrangedora, é a apresentação de Celine Dion ao lado do mestre Elvis Presley, em 2009, em um dueto de “If I Can Dream”, no American Idol. Diferente de Tupac, Elvis foi retirado de uma aparição filmada em 1968 e Celine precisou sincronizar seu canto ao dele.

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O burburinho com o Foo Fighters foi tanto que parece que o ano de shows legais no Brasil poderia acabar na semana passada – e ninguém iria se importar. Mas, não. 2012 ainda está começando e muita coisa boa vem por aí.

Bob Dylan - a primeira apresentação do lendário cantor americano aconteceu ontem, no Rio de Janeiro (veja aqui o repertório), mas ainda restam quatro shows em território nacional. Brasília (17), Belo Horizonte (19), São Paulo (21 e 22) e Porto Alegre (24) receberão Dylan com o entusiasmo que ele merece. A despeito de ter criado algumas das músicas mais importantes da história e ter influenciado todos seus ídolos, caro leitor… Bem, esses são motivos suficientes para curtir o show do cara, não é verdade? Aos 70 anos, o cantor está na estrada desde 1988 (!) com sua “Never Ending Tour”, nome e atitude que por si só falam bastante sobre quem é essa figura. É o verdadeiro show imperdível: quando você terá oportunidade de vê-lo novamente?

:: Tem ingressos acessíveis no TicketBis, um site que reúne pessoas interessadas em comprar e vender entradas para shows.

Los Hermanos - Tudo bem que turnê da “volta” do Los Hermanos já está virando a coisa mais comum do mundo, mas pare para pensar: quem se importa? Se o show é bom – e esse é o caso – pouco importa o que está por trás da turnê, se caça-níquel ou simples vontade de voltar aos palcos. O importante é a energia e a experiência de ver os caras novamente ao vivo. Dessa vez, a turnê é extensa e vai passar por 11 cidades, num total de 24 shows e 50 dias de estrada (confira aqui a programação completa). Para celebrar o momento, a banda prepara o lançamento de um livro e um documentário contando a história que começou de verdade na clássica apresentação no Abril Pro Rock, em 1999.

: : Como em muitos locais os ingressos já estão esgotados, uma boa dica é acessar o TicketBis e garantir sua entrada. Dá pra achar boas barganhas por lá.

Sonar Festival - O Sonar já é um festival consagrado no mundo todo (Barcelona, Tóquio etc) e a versão paulista não fica atrás no quesito atrações. O subtítulo do evento entrega a vibe que você encontrará por lá, afinal é o “Festival Internacional de Música Avançada e New Media Art“. É pomposo, traz muita atração indie e desconhecida, mas também vai te dar a oportunidade de ver shows de gente boa como Cee Lo Green, Justice, Mogwai, James Blake, Bjork, dentre outros. Para quem se liga em música eletrônica e suas variações.

: : Os shows acontecem nos dias 11 e 12 de maio, no Anhembi (SP), e dá pra pechinchar legal no TicketBis.

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